Il Dodge & Burn ha come obbiettivo di dare tridimensionalità all’immagine, come si raggiunge questo obbiettivo?
Creando una serie di livelli in Photoshop che permettono questa cosa, il primo è u n livello che dovrà lavorare sulla parte luminosa della nostra fotografia, poi ci sarà un altro livello che dovrà lavorare sulla parte in ombra della nostra fotografia.
Questo lavoro andrà eseguito sulla fotografia che ha già il suo contrasto definitivo, per mezzo di due livelli vuoti ai quali verrà dato un metodo di fusione idoneo al lavoro che dobbiamo fare, come abbiamo scritto in alto per schiarire il metodo sarà schiarisci, per scurire sarà luce soffusa.
In aiuto al nostro lavoro ci vengono le maschere di luminosità, queste ci permettono di evidenziare in una fotografia dove dobbiamo schiarire e dove dobbiamo scurire. Il metodo più semplice, dire ance più spartano è crearsi una maschera per le luci, per fare questo andiamo sui canali e premiamo tenendo il pulsante CTRL premito su RGB.
Sulla nostra foto appariranno le formichine, questa non altro che la selezione delle luci presenti nella nostra fotografia. Premiamo il pulsante che si trova nella finestra dei livelli che ci permette di creare una maschera e la nostra maschera per le luci è stata creata. Questa maschera è una maschera abbastanza aperta, cioè mostra anche le parti non troppo luminose vediamo:
Non è molto comprensibile allora ve la faccio vedere sulla fotografia, basta cliccare sulla maschera tenendo premuto il pulsante ALT.
A noi ci serve una maschera più chiusa sulle luci, cioè che evidenzi di più le parti in luce (bianco) e metta in ombra (nero) le parti in ombra. Si fa applicando una regolazione alla maschera, che dovrà essere selezionata.
Ha il quadrato bianco intorno, cioè è stato fatto clik su di essa. A questo punto facciamo Immagine > Regolazioni > Curve: Avremo la regolazione aperta:
Spostiamo i triangolini:
Come vedete più stringiamo la curva più le ombre si chiudono e le luci si aprono, facciamo OK.
Questa sarà la maschera per le luci.
Adesso prendiamo un pennello con opacità 20, e scegliamo un colore relativamente alle tonalità delle zone in luce che vogliamo enfatizzare e spennelliamo.
L’effetto è poco evidente ma vi posso assicurare che cambia la tridimensionalità dell’immagine. Adesso passiamo alle ombre, creiamo come prima la maschera che abbiamo creato, questa colta però con la maschera selezionata facciamo CTRL+I, questo la invertirà e diventerà per le ombre.
A questo punto per evidenziare nella maschera le zone di ombra muoviamo solo il triangolo di sinistra.
Facciamo lo stesso procedimento con il pennello scegliendo la tonalità coerente con la zona dove agiremo con il pennello.
Vediamo l’effetto:
Sulle ombre è più evidente, guardate la terra tra le pietre.
I livelli.
Potrebbe essere opportuno abbassare l’opacità per moderare l’intervento, specialmente sulle luci, che potrebbero virare verso il bruciato molto rapidamente.
Se vogliamo cancellare qualche intervento che abbiamo fatto possiamo usare lo strumento Gomma.
La foto finita
Quello che abbiamo visto fin qui è un sistema per gestire il Dodge & Burn, diciamo il più semplice, possiamo però per la gestione delle maschere di luminosità usare dei pannelli anche gratuiti che ci permettono di scegliere maschere più aperte o più chiuse, questo ci favorisce nella scelta della maschera e nella sua regolazione in funzione della scena su cui lavorare.
A questo possiamo integrare una maschera per le luci e farla lavorare con una sfumatura che la rende più visibile dalla parte dove arriva la luce, facendo in modo di enfatizzare proprio la luce stessa. Nel paesaggio notturno possiamo selezionare una maschera per le luci e con pennelli di varie dimensioni partire con uno piccolo sul punto luce e fare in mode che lo stesso sia più luminoso e aprendo il pennello e diminuendone l’opacità creare delle sfumature che ne aumentano la luminosità in maniera più soft all’aumentare del diametro del pennello, questo ci permette di creare un effetto nebbia intorno al punto di luce. Lo stesso può essere fatto con l’inserimento di bagliori di luce in una fotografia dove la luce radente attraversa la scena, sempre con le maschere si può enfatizzare per mezzo del pennello gestito con le opacità e il colore delle luci stesse.
Schiarire o scurire una scena in modo selettivo aumenta la tridimensionalità della scena e ci restituisce una fotografia con un impatto emotivo più intenso.
Spesso ci fermiamo all’elaborazione senza pesare a come possiamo migliorare la nostra fotografia, il Bodge & Burn è un momento che deve essere considerato in ogni nostra fotografia.
Foto di partenza, già elaborata con metodo Colore LAB e soggetto normalizzato, da questa condizione si può scegliere di modificare il colore dello sfondo, questa foto è stata scattata nel periodo primaverile quando la vegetazione è molto rigogliosa e verdeggiante, al tramonto rimane una componente sull’acqua di questo colore, proviamo a virare sull’arancio e il rosso lo sfondo.
Primo Campione spostato verso le tonalità arancio.
Secondo Campione spostato verso le tonalità Rosse,
Terzo campione stessa cosa.
L’importante è scegliere i punti che vogliamo controllare, e regolare anche l’intervallo di tonalità, cosi da ampliare o restringere le tonalità su cui vogliamo agire.
La foto sotto è la foto finita, chiaramente è una forzatura, ma ci permette di capire come si può ottenere un effetto di questo tipo,
Il paesaggio naturale terrestre, cioè quello nel quale si trovano elementi naturali può essere rappresentare tanti tipi di fotografie, le montagne, le cascate, paludi, boschi, deserti….
Il paesaggio naturale marino, cioè quello che ritrae elementi naturali dove il mare è il soggetto principale.
Il paesaggio con elementi dove è presente l’intervento dell’uomo, cioè tutte le situazioni in cui anche se potrebbero essere foto naturali è presente un struttura edificata dall’uomo.
Il paesaggio notturno, cioè la fotografia che viene ripresa nelle ore notturne, vedi la fotografia delle paesi, città, ma anche quella di aree naturali dove è presente il cielo in evidenza con le stelle e la luna.
Ho scelto di suddividere la fotografia di paesaggio in questa quattro grandi aree perché è così facile anche poter arrivare a descrivere le varie tecniche di scatto.
Nella prima parte di questo scritto si è parlato in generale su la fotografia di paesaggio e di come impostare la fase di scatto adesso vorrei parlare di tecniche particolari prendendone una per una spero con una sequenza che sia di facile comprensione.
La fotografia di paesaggio naturale ci mette molto spesso di fronte a delle problematiche, per esempio scattare una fotografia tutta a fuoco quando c’è un elemento in primo piano e poi un soggetto molto lontano, fotografare una cascata con acqua in movimento volendo sfruttare al massimo l’effetto che questa può regalarci. Fotografare un zona dove è presente una grande differenza di gamma dinamica come può essere una zona con tante ombre molto scure e zone molto luminose. Fotografare in una zona boschiva o arida dove possiamo catturare particolari e texture che possono regalarci fotografie interessanti, già queste varianti ci danno la possibilità di raccontare alcune tecniche di ripresa molto interessanti, ne elenco qualcuna che penso debba essere patrimonio e che il fotografo naturalista debba padroneggiare abbastanza bene.
Il Focus stacking
La tecnica del Bracketing (manuale e automatico)
Tecniche di ripresa e esempi pratici
Postproduzione e sinergie tra le varie tecniche di ripresa.
Il Focus Stacking è una tecnica che permette tramite più scatti di realizzare una fotografia che ha al suo interno gli elementi o parte di essi completamente a fuoco anche quando la profondità di campo determinata dal diaframma non lo permette. Cosa significa, se io ho una fotografia con un soggetto in primo piano e uno nella zona di sfondo e li voglio entrambe a fuoco dovrò per forza di cose trovare il modo di realizzare una foto completamente a fuoco o più foto che poi saranno unite in postproduzione, questa ultima tecnica è il focus stacking, la ripresa in focus stacking può essere manuale o automatica. Per ripresa manuale, si decide quanti scatti fare in funzione dei piani che desideriamo a fuoco, potrebbero essere 3, ma anche 5 dipende dal diaframma usato e dalle distanze in gioco tra i vari elementi della fotografia, automatico, è una funzione della macchina fotografica noi decidiamo il punto di messa a fuoco e lei scatterà un numero di fotografie che noi impostiamo, lei muovendo il motore dell’autofocus, non tenendo conto dei soggetti, ma solo dell’intervallo che abbiamo impostato scatterà le fotografie. Il risultato è che avremo è un numero di fotografie con la stessa inquadratura, ma con zone di fuoco differenti. (il sistema automatico viene molto usato in macro fotografia per realizzare foto di insetti tutto a fuoco).
La parte di postproduzione…
Si aprono le fotografie selezionandole tutte insieme e portandole in Photoshop cosi che le avremo tutta aperte insieme in ACR (Adobe camera raw), meglio in Lightroom si selezionano tutte e sincronizzate e dopo lo sviluppo si aprono come livelli in Photoshop, suggerisco di non usare la fusione automatica dei livelli di Photoshop perché crea della maschere che molto spesso non garantiscono un buon risultato, invece quando abbiamo i livelli possiamo fare noi delle maschere cosi da portare in vista le aree che desideriamo siano visibili di ogni livello.
Il Bracketing dell’esposizione è una funzione della macchina fotografica perciò guardare il libretto delle istruzioni della macchia sicuramente aiuta, questo permette di scegliere un numero di fotografie che verranno scattate in automatico dalla macchina come minimo 3 ma possono essere 5,7, ecc.
In questo caso farà tre fotografie, un a 0, una a +1stp e una a -1stp.
L’importante di questa tecnica fotografica è capire la sua potenzialità e finalità e cioè sopperire alla mancanza di gamma dinamica delle macchine fotografiche, cosa significa, se scattiamo una fotografia al tramonto avremo per forza di cose necessita di poter vedere gli elementi non direttamente illuminati dal sole o in ombra, il bracketing dell’esposizione ci permette di avere fotografie con una luminosità corretta nelle varie aree, come si può capire possiamo anche in questo caso farlo in automatico vedi la figura sopra, decideremo il numero di fotografie e come dovranno essere esposte, o in manuale scegliendo noi come gestire i scatti. Se per la funzione automatica le cose sono veramente semplici una volta deciso il numero dei scatti e l’esposizione da dove iniziare a scattare si fa partire la sequenza e così avremo la serie di fotografie da elaborare.
Una nota importante come scegliere l’esposizione di scatto?
Quando abbiamo scelto di quanto sovra esporre e sotto esporre le fotografie abbiamo un’altra scelta importante da fare dove posizionare l’esposizione della prima fotografia, questo ci permette di avere delle fotografie che potremo fondere meglio, mi spiego meglio, l’esposimetro può leggere in quattro modi, se legge l’intero fotogramma avremo una media di tutte le aree, se legge in spot leggerà un punto del fotogramma, questo per dire che la fotografia del bracketing a più alta esposizione, cioè più luminosa sarà quella che dovrà essere esposta correttamente per le aree più in ombra, una volta compresa questa, come fare una volta fatta la lettura dell’esposizione con esposimetro a 0, aumentiamo il tempo di scatto fino ad avere una corretta esposizione questo farà in modo che si sposta di un certo numero di /3 di stop l’esposizione, vediamo quanti sono e sottraiamoli alla esposizione corretta. Cosa ci permette questa cosa, delle tre fotografie che scattiamo, una che ci deve garantire la lettura delle ombre, questa sarà la fotografia principale perché nel bracketing useremo le due con esposizione più bassa per recuperare le aree più luminose, facciamo un classico esempio se fotografiamo un tramonto contro luce, ma davanti a noi abbiamo una casa, la parte in ombra sarà nera, ecco noi dobbiamo fare in modo che la fotografia che più alta esposizione del bracketing ci permetta di vedere le zone in ombra, le altre foto diciamo 2 o 4 o 6 ecc…. Saranno tutte uno stop in meno di quella foto li. Diciamola ancora in un altro modo se inquadriamo il tramonto e mettiamo l’istogramma corretto per la parte in luce avremo sicuramente la parte destra della curva che spianata a destra.
A dir poco come questo istogramma qui sopra, dalla condizione in cui l’esposimetro è a zero dobbiamo aumentare il tempo di scatto fino ad avere un istogramma corretto, il valore in terzi di stop lo dobbiamo togliere dal bracketing, così da avere la fotografia più luminosa del nostro bracketing alla esposizione delle ombre. Come si chiama in un altro modo questa cosa compensazione dell’esposizione.
Chiudiamo con un ultimo considerazione se abbiamo deciso un braketing a tre fotografie e per avere le parti in ombra superiamo uno stop, significa che non potremmo avere le zone in ombra alla giusta esposizione, questo che significa, che per avere un bracketing che ci dia come risultato il recupero della gamma dinamica dell’intera fotografia quando nella inquadratura vediamo che la gamma dinamica è molto ampia per avere un recupero che funziona dobbiamo aumentare il numero degli scatti da tre a cinque, anche sette, se non nove, è qui che si passa al bracketing manuale.
Il Bracketing manuale è fondamentalmente utilizzato se la macchina non ti permette di impostare due cose un tempo maggiore di 30 secondi, oppure non ti fa scegliere un numero di scatti sufficienti a coprire la gamma dinamica, ragioniamo su questa cosa.
La mia inquadratura dopo aver impostato iso e diaframma per avere un istogramma corretto cioè esposto sulle ombre supera i 30 secondi.
La mia inquadratura dopo aver impostato iso e diaframma presenta delle aree in ombra completamente chiuse, senza dettaglio e delle zone di luce completamente bruciate, facendo un bracketing automatico la foto per le ombre è ancora illeggibile in queste, la foto per le luci continua a essere bruciata.
Nei due casi sovra esposti abbiamo bisogno di un bracketing manuale. Il classico esempio di bracketing manuale è la fotografia notturna dove ci sono zone completamente in ombra e zone delle luci completamente sovraesposte come impostiamo la fase di scatto il ragionamento è semplice viste le considerazioni precedenti, prima di tutto dobbiamo impostare ISO e diaframma in questo potrei usare un modo diverso mettiamo ISO e il tempo a 30 secondi e vediamo che diaframma avremo per poter leggere le ombre, se abbiamo l’istogramma vediamo quando questo sarà staccato da sinistra, se otteniamo un diaframma che è superiore di F4 siamo a cavallo, in alcuni casi anche F2.8 potrebbe andarci bene, dobbiamo solo essere sicuri della messa a fuoco e che le fotografie siano nitide. Cosa succede se invece il diaframma trovato o le fotografie non sono sufficientemente nitide o ancora scure, siamo costretti a fare dei scatti con tempi più lunghi, questo lo possiamo fare in B (Bulb) partendo o da 60 secondi o addirittura da 120 secondi.
Una volta trovato il punto d’inizio faremo tanti scatti fino ad ottenere la foto con più alta luminosità esposta per le luci. Potremmo arrivare anche a 17 fotografie partendo da 120 secondi per arrivare a una fotografia da 1/500 di secondo.
La parte di postproduzione…
Il bracketing ha molteplici modi per essere elaborato e portato ad una fotografia.
Uno semplice con due o tre fotografie per mezzo di maschere di livello e un pennello, o anche tramite delle selezione che generano maschere. La cosa si complica quando ci sono tempi lenti e movimento dei soggetti che compongono la fotografia, un esempio classico è il movimento delle barche nel porto in una fotografia marina, molti fotografi non risolvono questa cosa se si vedono tante fotografie con bellissimi bracketing, ma le barchette sono fantasmi in mare un trucco per questa cosa e fare delle fotografie correttamente esposte per fermare il loro movimento, alzando l’ISO e grazie alle maschere possiamo sistemare anche questo problema.
Cosa succede se la gamma dinamica impone un grande numero di fotografie, ci sono molti metodi per elaborare vediamone qualcuno.
Il primo sicuramente è tramite le maschere di luminosità, non entro nella parte di utilizzo anche perché il web è pieno di tutorial e video, importante è capire la filosofia utilizzare, in una fotografia ad alta gamma dinamica dobbiamo fondere le varie fotografie in modo da utilizzare le zone delle varie fotografie correttamente esposte, questo si ottiene tramite le maschere di luminosità. Ci sono delle azioni gratuite o dei pennellini che le creano, ma ci sono anche dei veri e propri plugin che fanno il lavoro sporco di fusione in modo buono, va comunque mantenuta una certa post produzione della fusione per avere il risultato finale.
Tecniche di ripresa e esempi pratici
Una cosa di cui ho parlato poco e come procedere allo scatto, all’atto della pianificazione è buona cosa specialmente quando si fa parecchia strada e si hanno pochi giorni se non ore, pianificare bene il nostro tempo, direi addirittura decidere già in fase di pianificazione le posizioni, per poi lasciare la scelta della composizione nella fase di montaggio attrezzatura.
Per questo scegliere in funzione dell’orario il posto dove fotografare, cioè decidere per ogni posto, se meglio alba o tramonto, controllare se per qualche motivo dovuto al meteo non si potrà scattare e mettere in programma una soluzione alternativo, scegliere tre punti compositivi (Gmaps/Earth), decidere la priorità, decidere inquadratura orizzontale, verticale, panoramica.
Un esempio pratico: tramite GEarth si può avere una visualizzazione tridimensionale del luogo, con la visualizzazione Street view si possono veder anche punti di ripresa.
Comprendere per le inquadrature scelte quale setup è necessario, mm obbiettivo, filtri, comprendere la gamma dinamica per i momenti scelti.
Capire se necessario focus stacking o/e bracketing.
Sequenza di montaggio, arrivati sul posto verifica condizioni, decidere se proseguire con il montaggio, partire dal mettere lo zaino in posto sicuro, montare il cavalletto, mettere in bolla la testa, controllare prima di montare la camera a mano libera la composizione, verificare punti nei dintorni, installazione della camera, verifica composizione e scatto di prova, montare holder filtri, verifica con polarizzatore, attenzione al cielo per macchie dovute a polarizzazione, se c’è acqua polarizzare l’acqua.
Decidere in funzione della composizione e della conformazione il tipo di GND. Controllare esposizione.
Decidere se montare ND e calcolare i tempi.
Predisporre lo scatto remoto.
Esempio:
Una classica passeggiata sera in inverno a Roma sul lungo Tevere ci permette di trovare una vasta gamma di composizioni sia dalla parte alta dei muraglioni che dalla sponda del Tevere. Una classica fotografia di Roma è da Ponte Umberto I qui si possono scattare sia fotografie con grandangolo che con teleobbiettivo, nella mia ultima uscita ho portato anche il 100-400 e ho scattato questa fotografia.
La fase di scatto, arrivato sul ponte non è semplice trovare posto, se si arriva una mezz’ora prima del tramonto è meglio, si piazza il cavalletto si livella la macchina, a questo punto si cerca la composizione che è un classico, la messa a fuoco sul ponte e poi in manuale, la lunghezza focale per questa composizione è 142mm, le impostazioni di scatto sono state ISO 100, F11, e una braketing di 9 scatti partendo da 30 secondi a scendere di uno stop per volta.
Suggerimenti quando si scatta con un teleobbiettivo, non si deve in nessun caso toccare la macchina, una volta impostata, si controlla con l’APP del produttore della macchina fotografica e si gestiscono i vari scatti con i tempi a scendere di stop in stop, 30sec, 15,sec, 8sec, 4sec, 2sec, 1 sec, 1/2sec, 1/4sec 1/8sec, 1/16sec.
La Post produzione per unire i Raw utilizzo un plugin che facilita enormemente il lavoro di post produzione, è il Blending v2.1 del TM panel
Ma andiamo per step cosi come procedo.
Aprendo in Bridge la cartella che contiene i raw li seleziono tutti e poi faccio tasto destro cosi:
E poi apri in Camera raw. Questo sarà il risultato:
Avremo a sinistra tutti i files prendo come foto master il file che ha istogramma diciamo piu corretto, poi tenendo premuto SHIFT seleziono il più scuro e poi il più chiaro, cosi da avere tutti i files selezionati:
A questo punto scelgo il profilo NEUTRO, e poi regolo esposizione in modo da avere un file abbastanza de contrastato, con ombre aperte e bianchi recuperati, flaggo la correzione dell’ottica, e della rimozione dell’aberrazione cromatica, tutti gli altri parametri sono a zero non con le impostazioni di default di Camera Raw.
A questo punto faccio Apri, si aprirà photoshop e avremo tante schede aperte per tanti file raw che avevamo in Camera Raw, qui utilizzeremo il plugin Bending v2.1 la prima funzione servirà a riunire tutti i files in un’unica scheda mettendoli in ordine
Troveremo perciò questa situazione:
Tutte le schede saranno raggruppate in una scheda soltanto con i file messi su livelli in ordine dal più chiaro al più scuro. A questo punto sempre tramite il plugin blending v2.1 faremo la l’unione dei vari livelli con le esposizioni a diverse luminosità (il plugin come vedete nell’immagine sopra seleziona tutti i livelli e questa cosa deve essere sempre mantenuta mentre lavora)
Cliccando su Blending Options potremo scegliere quale lavoro farà il plugin:
Io scelgo sempre tutte e quattro le spunte poi eliminerò i livelli che non mi ritornano utili nella fase di postproduzione. Clicchiamo su Process Selected Layers, questa fase è un po’ più lunga perché il plugin elabora la fusione tra i vari livelli restituendoci della azioni da fare. La prima è il controllo della esposizione del SDR.
Questa è la condizione come vedete l’istogramma nel campo SDR può essere recuperato utilizzando lo slide Esposizione
Il risultato è un miglioramento della luminosità generale della fotografia, non sono necessari altri interventi e si preme OK. A questo punto si riaprirà Camera Raw e adesso potremo lavorare sulla fotografia come fosse un Raw, per quanto mi riguarda in questa fare opero controllando ancora l’istogramma. Regolando l’esposizione e controllando il contrasto dell’immagine tramite la curva.
Dopo aver fatto questi controlli sull’immagine procedo con OK.
Il risultato saranno una serie di livelli il primo che consideriamo è quello denominato “Blend – ACR Finalize”, questo vede il Filtro Camera Raw, sul quale abbiamo operato il recupero di Esposizione, e la curva per il contrasto, su questo Filtro possiamo sempre operare delle correzioni. Poi abbiamo il Livello “Blend Color Split” questo opera un ottimo recupero dei colori della fotografia.
Prima:
Dopo:
Ma come si vede chiaramente la parte del Cielo è particolarmente scialba in questo livello, perciò creiamo una maschera per non applicare tale intervento sul cielo.
Tenendo permuto il tasto ALT creaiamo la Maschera.
Come si vede il cielo adesso mantiene la sua componente di colore.
Vediamo adesso il livello Gotham Mood, se possiamo avere un miglioramento di questa fotografia.
Prima
Dopo
Per come interviene sulla fotografia aumentando molto la luminosità, io applico una nuova maschera che esclude il cielo anche in questo caso, ma ho già in mente un’altra regolazione per restituire all’immagine una componente di contrasto presente nella scena reale.
Il contrato lo gestiamo controllando per mezzo della regolazione Valori Tonali come la luminosità si sviluppa nella scena, come vedete la parte di ombre e di luci ha della aree dove non ci sono informazioni, spostando i triangoli e portandoli a contatto con l’inizio della curva restituiamo contrasto a tutta la scena.
Ci sono degli interventi su questa fotografia che desidero fare il primo avere un cielo più interessante, lo ottengo aumentando la saturazione solo per il cielo, mascherando la parte del primo piano.
Vorrei anche intervenire su la zona a sinistra della fotografia dove ci sono zone di blu che non mi convincono.
Con una regolazione tonalità e saturazione mascherata nera sul blu e ciano completamente desaturata spennello sulle aree che voglio correggere, i tetti.
Prima
Dopo
Maschera
A questo punto si può dire che la fotografia sia finita, ci sono delle cose che ancora mancano, eliminazione elementi di disturbo, la Gru, il filo che attraversa la parte bassa in acqua, creo un livello unico con CTRL+SHIFT+ALT+E
Tramite lo strumento rimuovi passo sul filo, come sopra, e sulla gru come sotto, in più step
Con il pennello clone tolgo l’alone dal cielo e sistemo la cupola.
Questo è il risultato, adesso do un po’ di nitidezza alla fotografia prima del salvataggio, creo un livello con oggetto avanzato. E apro il Filtro Camera Raw, vado nella finestra dettagli e provvedo cosi, metto lo slide dettagli a 100, tenendo premuto ALT sposto lo slide della mascheratura in modo tale da vedere dove applicare la nitidezza, lo stesso faccio per il raggio con il tasto ALT premuto vedo a quali dettagli applico la nitidezza, più sono fini più dovrà essere piccolo il raggio, in fine la nitidezza con questo slide si determina il fattore di intervento.
Questo è il risultato, la postproduzione per quanto mi riguarda su questa fotografia si ferma qui, è chiaro che si possono fare ulteriori interventi creativi secondo le nostro gusto, Dodge and Burn, Orton e Glow, eventuale Vignettatura.
La fotografia finita secondo la mia interpretazione, cliccando sull’immagine si apre il file sul web
Questa guida ha lo scopo di mostrare come realizzo i miei scatti e come interpreto questo genere fotografico, presto aggiungerò un esempio relativo alle paesaggio marino, dove l’utilizzo i filtri.
La nuova versione di Adobe Camera Raw ha inserito delle nuove funzionalità che usano l’AI, la prima che ho provato è Sfocatura obbiettivo.
L’ho provata su una fotografia che per via della vicinanza dello sfondo poteva dare un risultato più piacevole.
PrimaDopo
Il lavoro è fatto molto bene, la quantità determina quanto verrà sfocata l’area dello sfondo, in questa foto solo un punto del posatoio era focato erroneamente, per mezzo del menu migliora è possibile far lavorare correttamente lo strumento.
Correzione
Cliccando su messa a fuoco e spennellando nei punti sfocati per errore corregge la sfocatura, cliccando su sfoca applicherà la sfocatura su i punti che scegliamo di sfocare.
Elaborazione colore può essere fatta in più modi, in sviluppo tramite ACR, in Photoshop con vari sistemi, tramite plug-in che sono integrati a Photoshop, negli anni ho usato ACR, ma con il tempo ho visto che in Photoshop c’è la possibilità di intervenire in modo più potente tramite il metodo LAB, questo metodo ci permette un controllo equilibrato che non interviene sulla luminosità e che non inserisce ulteriori dominanti rispetto a quelle presenti, con le ultime versioni di Photoshop anche lavorando in RGB si possono ottenere risultati notevoli penso che sia solo una questione di praticità e di abitudine. Un ultima nota, nella fotografia Naturalistica per come la intendo io non inserisco color/effetti che stravolgono la situazione di scatto, mi piace documentare la vita degli animali più in particolare degli uccelli.
Regolazione Tonalità/Saturazione
Il primo metodo si trova in Photoshop utilizzando la Regolazione Tonalità/Saturazione essendo una regolazione e lavorando in RGB questa crea un livello di regolazione si crea premendo sull’icona
La finestra della proprietà della regolazione ci permette mette a disposizione molte potenzialità, sorvolando la possibilità di creare dei predefiniti che non ho mai pensato per questa regolazione abbiamo la che attiva il campionatore questo ci permette di campionare il colore delle zone che vogliamo modificare.
Poi c’è il menu a tendina dove di default c’è scritto Composita (che intende tutti i colori)
Contiene la possibilità di selezionare i vari colori.
Adesso vediamo i slide il primo Tonalità, Saturazione e Luminosità:
Tonalità ci permette di modificare i colori della foto è un modo creativo di lavorare sulla foto che lascerò alla fine di questo paragrafo.
Saturazione, ci permette di diminuire/aumentare la saturazione
Luminosità, ci permette di diminuire/aumentare La luminosità del colore.
Come dobbiamo procedere per avere un incremento coerente:
Selezionare la manina e campionare i colori che vogliamo enfatizzare, facciamo un esempio:
In questa fotografia desidero enfatizzare i colori caldi dello sfondo.
Ho campionato nella zona cerchiata (calda) e aumentato la saturazione, questo è il risultato:
Come vedete basta poco per far cambiare completamente la fotografia, Guardando il soggetto però vediamo che si è inserita una dominante, che va rimossa.
Procediamo alla rimozione mascherando la regolazione con un pennello nero.
Pennellando di nero con la maschera selezionata le aree da preservare non avremo più l’intervento della regolazione.
Il successivo intervento è sempre sullo sfondo le aree fredde, campiono e aumento leggermente la saturazione, suggerisco di fare questa cosa su un nuovo livello di regolazione Tonalità/Saturazione così da avere livelli diversi dove intervenire in modo più controllato. Faccio sempre un controllo delle dominanti sul soggetto che devono essere neutralizzate se compaiono.
Il risultato finale:
PrimaDopo
Metodo di correzione colore con il profilo colore LAB
La gestione del colore con l’utilizzo del profilo colore LAB è estremamente potente e ci permette un controllo assoluto sul colore. In cosa consiste la gestione dal momento che in Photoshop convertiamo la nostra fotografia da RGB a LAB abbiamo una diversa gestione dei canali che poi costituiscono il colore i Canali sono tre L(luminosità) A e B
La conversione si effettua in questo modo in Photoshop, dal menu modifica scegliere Converti in Profilo, la finestra che si apre ci permette di impostare la trasformazione:
Nel menu a tendina dobbiamo scegliere Colore LAB, impostare il resto delle opzioni come nella finestra e fare ok.
Cosa accade quando facciamo questa azione Se selezioniamo prima di effettuare la conversione la finestra Canali vedremo l’effetto sui canali
Da a
Si può vedere chiaramente che l’RGB è diventato LAB.
Analizziamo adesso i tre canali LAB il primo la luminosità è un canale che è composto da valori da 0 a 100, il canale A da -128 a 128, lo stesso il canale B, importante è il colore che compongono i canali A e B
Il canale A è composto da -128 a 0 dal Verde da 0 a +128 dal Magenta
Il canale b è composto da -128 a 0 dal Blu da 0 a +128 dal Giallo.
Dopo questa prefazione sul profilo colore LAB vediamo come lo utilizzeremo per enfatizzare i colori e perché è meglio di altri metodi.
La finalità è quella di aumentare la saturazione senza stravolgere la luminosità dell’immagine e controllare le dominanti. La regolazione che ci permette di fare questa cosa è la Curve perciò clicchiamo e creiamo un livello di regolazione Curve.
Quello che ci servirà per il nostro lavoro è il menu a tendina da questo menu possiamo selezionare il canale dove intervenire, per il nostro lavoro useremo i canali A e B che sono quelli che gestiscono la componete colore nel profilo LAB.
Il concetto di base è questo: più la linea (curva) che compone il canale è verticale e più il colore sarà intenso. Per comprendere come operare in modo preciso dobbiamo usare i NUMERI, vediamo come, partendo dal canale A prendiamo il triangolino nero (vedi figura) e spostiamo verso destra un pochino nelle finestrella input scriviamo -70, lo stesso facciamo con il triangolino bianco e sempre nella finestra input scriviamo 70. Come si può notare la curva creata è molto più verticale facciamo la stessa cosa con il canale B
Il risultato ottenuto è questo, le componenti colore dell’intera immagine sono state enfatizzate in modo equilibrato senza intervenire sulla luminosità della foto.
Come vedete la foto ha ancora bisogno di un po’ di saturazione, possiamo inserire al posto di 70, 60 questo renderà la curva ancora più verticale e il colori più saturi. Risultato:
PrimaDopo
Come sempre controllo delle dominanti, i cultori del metodo LAB adesso diventeranno rossi GRRRR…..il controllo lo faccio per capire la presenza sulla foto di dominanti e lo faccio con un regolazione tonalità e saturazione mettendo lo slide del saturazione con il magenta e del blu selezionato ecco cosa si evidenzia:
Con il pennello maschero il soggetto
A sinistra pennellato con il nero la maschera poi ho fatto CRTL+i l’ho invertita, a questo punto sposto lo slide selezionando il Blu e il Magenta cosi da togliere la dominante dal piumaggio, vedo le figure sotto, quando pennello lascio che l’occhio non sia interessato dalla maschera.
Il risultato
Finito l’intervento sul colore ritorno al profilo colore RGB, perciò Modifica > Converti in profilo.
Automaticamente tutti i livelli si uniranno.
Per farmi perdonare la rimozione delle dominanti con la regolazione Tonalità/saturazione ho scritto un articolo sul controllo delle curve e delle dominanti con il metodo Lab lo puoi trovare qui, diciamo che qui c’è il metodo corretto.
Google Nik Collection
Il colore ottenuto e il contrasto rendono la fotografia molto delicata e dalle tonalità tenui direi pastello, possiamo dare un po’ di forza a tutto con una seconda passata colore e contrasto, questa volta lo faremo in un modo diverso con un plug-in gratuito che è reperibile on line la Google Nik collection. Per operare con questo plug-in in Photoshop 2021 è necessario lavorare su un livello convertito in oggetto avanzato vediamo come:
Duplica livello (CTRL+J) Click destro sul livello e poi
L’iconcina ci mostra che è un livello avanzato.
Apriamo la nik collection in particolare Color Efex Pro 4
Color Efex pro 4 ha una serie molto nutrita di filtri noi ne useremo 2
e
Il primo ci permette di enfatizzare i colori e lo possiamo fare anche creando una maschera che permette di non stravolgere il soggetto.
Il secondo ci permette di lavorare sul contrasto e di proteggere le luci e le ombre per mantenere il piumaggio apprezzabile e morbido, Procediamo:
Brilliance/Warmth appare cosi:
Il pannello semplice ha tre slide
La saturazione come sappiamo aumenta il colore
Temperatura scalda o fredda l’immagine
Percentuale saturazione equivale a un valore di intensificazione di tutto il Filtro
Facciamo la facile i valori sono sempre soggettivi ma per avere un effetto equilibrato nelle mie prove su questo tipo di immagini partirei da questi:
L’immagine adesso e molto più calda e anche il soggetto risulta molto interessate. Dal nostro intervento, di primo acchito avrei subito fatto annulla, troppo colore sul soggetto dove non deve non ne aveva vedi il bianco, il plug-in però ha una funzionalità estremamente interessante i punti di controllo, andiamo a vedere:
Abbiamo due possibilità:
Uno crea un punto che aggiunge, uno crea un punto che sottrae, vediamo come ci possono tornare utili, in questa foto il soggetto è troppo saturo e noi dobbiamo far tornare prima di tutto quello che è bianco, bianco o con una leggerissima dominate calda e capire se il colore delle piume scure del soggetto sono troppo interessate dalla saturazione aggiunta. Procediamo:
Prima di tutto voglio togliere dal colore dal bianco e intervengo con dei punti nelle area bianche che sottraggono, questo è il risultato
Questa azione ha sì tolto la saturazione dalle aree bianche, ma ha anche inserito una desaturazione alla zona intorno al soggetto, con una funzione del plug-in questo sarà chiaramente visibile selezioniamo il punto evidenziato nell’immagine qui sotto
Come si vede i punti bianchi sono stati selezionati, si vede la parte sfumata introno al soggetto, procediamo per risolvere questa cosa con dei punti che aggiungono la saturazione impostata nel plug-in tutto intorno al soggetto.
Lo possiamo fare anche in questa condizione di visualizzazione così avremo subito il risultato.
Come potete vedere ho lavorato creando una serie di punti che creano una maschera che ripristina tutto intorno al soggetto il bianco cioè rende visibile la saturazione impostate nel plug-in, ma controlla e desatura completamente la parte bianca e per effetto delle sfumature crea una zona meno intensa nel piumaggio scuro, questo è proprio quello che volevo. Vediamo il risultato nella foto.
Sono soddisfatto che lavoro fatto perciò passo alla seconda fase, Per poter aggiungere un altro filtro dobbiamo procedere cosi
Cliccare su Aggiungi e scegliamo La schermata apparirà cosi
Il plug-in ha delle slide che sono intuitive
Correggi dominante cromatica lo dice la parola stessa toglie la dominante
Correggi contrasto e da toccare con cautela che fa disastri
Contrasto dinamico regola il valore del contrasto
Il mio modo di procedere o meglio la filosofia da mettere in campo e impostare un contrasto che rispecchi la condizione di scatto perciò:
Imposto un valore intorno a 15 per poi poter valutare l’intervento delle altre slide poi con correggi dominante mi sposto, la nostra foto è già stata corretta ma intervenire conferma il lavoro fatto, anche con questa vado a 15. Con correggi contrasto mi fermo a 10. Intervengo su Ombre e Alte luci, Ombre 60%, Alte luci 55%. Queste due ultime slide funzionano come il fondi se che abbiamo visto nel contrasto in LAB nella curva di luminosità
Siamo arrivati a questa condizione, il lavoro nella NIK è finito faccio ok Questa è la finestra dei livelli
Sembrerà una fissazione ma controllo ancora le dominanti Blu e Ciano perciò seleziono la regolazione tonalità e saturazione, click sulla manina e seleziono con il attivato il campionatore la parte dove era presente il blu e ciano e porto la slide al 100% positivo per vedere se esce il blu o il ciano risultato.
Nessuna dominante presente
Posso anche eliminare il livello di regolazione cliccando sul cestino
Seleziono il livello di sfondo e faccio clic destro e poi unico livello.
In questo scritto c’è la mia interpretazione di cosa intendo per fotografia di paesaggio, è solo uno spunto per avere un punto di vista.
La fotografia di paesaggio è il genere fotografico tra i più diffusi, chi si avvicina alla fotografia si confronta con il fotografare ciò che ci circonda, che sia naturale o urbano.
In questo scritto si daranno per scontate le conoscenze di base della fotografia, verranno però richiamati i processi che ci aiutano a ottenere delle caratteristiche particolari nella fotografia.
Qual è il patrimonio di conoscenze che il fotografo deve avere per poter effettuare una fotografia, sicuramente deve conoscere quali sono i fattori che influenzano una fotografia, proviamo a fare un elenco:
L’inquadratura, La Composizione.
L’orario di ripresa.
Analizzare la luce nell’inquadratura.
Avere la capacità di cambiare prospettiva.
Scegliere il soggetto che attrae e che determina poi l’aspetto emotivo dell’intera immagine.
Se pensiamo a ogni punto scritto ci rendiamo conto che questi determinano come pensare a una Fotografia dal momento che si parte al momenti che si apre il file nel nostro programma di post produzione.
Adesso andiamo sul partico la migliore luce e le condizioni più interessanti si trovano quando il sole è presente, dal buio prima dell’alba e un’ora dopo dell’alba, lo stesso per il tramonto, un’ora prima del tramonto fino al buio, queste indicazioni valgono per il meridiano in Italia, quando il cielo è coperto possiamo trovare situazioni interessanti durante tutto il giorno.
Quando arriviamo sul punto che abbiamo scelto di fotografare è importante si guardare il soggetto per capire come inquadrarlo, ma è anche importante guardarsi intorno per capire da dove è possibile posizionarsi per trovare un inquadratura interessante. L’inquadratura è sicuramente la più importante delle caratteristiche di una fotografia di paesaggio, nella fotografia di paesaggio dove c’è una parte che fa parte del primo piano e una che fa parte del cielo/paesaggio tra queste si cerca di trovare un equilibrio, per raggiungere questo equilibrio ci viene in aiuto la regola dei terzi che non è altro che la suddivisione dell’inquadratura con due linee verticali e due orizzontali equi distanti, il loro incrocio determina in una fotografia i punti d’interesse.
Nella fotografia di paesaggio vengono usati gli obbiettivi grandangolari, ma anche teleobbiettivi, i primi per la loro caratteristica ottica hanno un grande angolo di ripresa, per migliorare le nostre fotografie è sempre importante creare profondità, mettendo un elemento in primo piano che può stare vicino a un punto della regola dei terzi, e mettendo il fuoco su di esso si crea la prospettiva dalla quale parte lo sguardo dell’osservatore. Il grandangolare ha per la sua costruzione ottica quando l’inquadratura non è parallela all’orizzonte, avendo una certa inclinazione verticale determina una distorsione della prospettiva della scena, è importante fare attenzione ed avere la macchina fotografica a livella.
I teleobbiettivi ci permettono di fotografare porzioni più ristrette di paesaggio, dandoci la possibilità di riprenderli anche da distanze anche considerevoli.
Adesso vediamo come dobbiamo prepararci per poter avere una fotografia.
Ci sono delle fasi che ci permettono di prepararci le suddivido in più punti cosi da poterli analizzare:
Pianificazione
Preparazione dello zaino
Analisi della luce, Composizione
Montaggio
Valutazione del tempo in funzione dei corpi in movimento.
Procedura di scatto
Verifiche post scatto
Pianificazione
Come per tutte le tecniche fotografiche c’è un la parte pianificazione, questa va dallo scegliere il posto da riprendere, analizzare come la luce si muove dall’alba al tramonto, decidere il periodo dell’anno migliore per le condizioni meteo e ambientali che desideriamo.
Il posto che desideriamo fotografare è forse la parte più semplice, è frutto del nostro gusto e dei nostri interessi comunicativi, come riprenderlo è sicuramente la parte più complessa, va analizzata la composizione tenendo conto di come il sole si sposta in modo tale da rendere la scena interessante, valutare il meteo in merito alle condizioni che vogliamo avere, se siamo in presenza del mare considerare le maree.
I fattori principali li abbiamo elencati, considerarli e dare priorità ci permette di realizzare la fotografia, sono i pensieri che ci occuperanno la mente durante la pianificazione di ogni fotografia.
A supporto della pianificazione i nuovi sistemi tecnologici ci aiutano, prima di tutto l’utilizzo di mappe online sia bidimensionali che in 3D ci permettono di valutare i posti che ci interessa fotografare, vedere altre fotografie scattate in quei stessi posti.
A queste possiamo affiancare app che ci permettono di valutare come il sole illumina la scena sia per direzione che inclinazione, decidendo anche il giorno particolare che vogliamo effettuare la fotografia.
Le app che ci permettono di conoscere le maree ci permettono di conoscere quale livello avrà il mare relativamente alla riva del mare.
A queste aggiungere app per il trekking per raggiungere il punto prescelto.
Preparazione dello zaino
La preparazione dello zaino è sicuramente una della parti che ci permette di affrontare una uscita in sicurezza ed avere tutto quanto può essere necessario per affrontare la nostra sessione fotografica.
Certo se andiamo a fotografare un ambiente urbano tante cose saranno superflue, ma se invece andiamo in ambienti naturali le cose cambiano potrebbe essere necessario camminare, affrontare anche salite o discese, allo stesso tempo condizioni meteo variabili.
La parte prettamente fotografica di preparazione vede nel riporre in condizioni sicure, la nostra macchina fotografica, i relativi obbiettivi, batterie, un comando a distanza, i filtri, il treppiede, livella se la macchina non è dotata, questo è il minimo indispensabile. Aggiungerei una pezza o più per la pulizia delle lenti, una busta di plastica per la protezione in caso di pioggia, i copri zaino impermeabile.
In caso di escursione breve diciamo fino a trenta minuti dal punto dove lasciamo il mezzo di trasporto aggiungerei delle cose da portare sempre con noi.
La descrizione che seguirà è prettamente invernale proprio perché in questa stagione ci saranno le condizioni per scattare fotografie di forte impatto, lo stesso in montagna dove le condizioni meteo possono essere estremamente variabili, prima di tutto un indumento anti pioggia/vento se non indossato, un ulteriore felpa, cappello/passa montagna, scarponi alti. Considererei anche un sacco da appendere al treppiede da riempire con pietre nel caso ci sia forte vento, in alcuni casi si sostituisce la parte terminale con delle punte in acciaio proprio per rendere il più stabile possibile il treppiede. Poi sempre per condizioni outdoor porterei in EDC minimo composto da accendino, coltello multi uso, coperta termica emergenza.
Analisi della luce, Composizione
La prima considerazione è arrivare almeno un’ora prima del momento in cui vogliamo iniziare a scattare, questo ci permette di avere margine per la scelta del posto, per il montaggio, e poi:
Già mentre ci avviciniamo al punto prescelto per la fotografia comincerei ad analizzare se le informazioni che abbiamo recuperato in fase di pianificazione corrispondono a quanto stiamo trovando sul campo, posizione del sole, condizione del meteo/nuvole, come influiranno nella nostra composizione, altezza, velocità, aperture nel momento del tramonto, ecc…
Scegliere la composizione con delle inquadrature senza cavalletto spostandoci per vedere come vengono guardando in camera, una volta trovato il cosiddetto PDR (punto di ripresa) si passa al:
Montaggio
Questa fase anche se spesso data per scontata deve essere un momento che non si deve affrontare con frenesia, aprire il treppiede, considerare la presenza del vento, onde del mare, metterlo in sicurezza agganciando pesi per renderlo più stabile, controllare che tutti i sistemi di blocco siano assicurati, verificare, le piastre di ancoraggio, assicurarsi che tutto sia serrato, insomma prendiamoci il tempo necessario per avere tutto al sicuro.
Valutazione del tempo in funzione dei corpi in movimento.
A questo punto si avvicina il momento più importante, quello che ci porterà ad acquisire il nostro file, perché dedico una parte così importante a questo momento, perché dobbiamo valutare cosa vogliamo nella fotografia, un cielo con nuvole statiche? O una cielo con nuvole mosse? Lo stesso vale per il mare, vogliamo bloccare le sue onde? O vogliamo avere un mare completamente liscio con il bianco vicino alle zone d’impatto?
Nel considerare cielo e mare, dobbiamo valutare la velocità delle nuvole, più saranno basse più saranno veloci, più il mare sarà mosso più avremo un effetto particolare in funzione del tempo di scatto.
Procedura di scatto
La procedura di scatto è funzione delle considerazioni prima eseguite, ma veniamo a come impostare la macchina, una volta montata sul treppiede, avremo varie situazioni la prima è una fotografia diciamo standard, scelta la composizione, scelto il punto di messa a fuoco, si decide la triade ISO, Diaframma, Tempo, proprio in questa sequenza, l’ISO o sensibilità nella fotografia di paesaggio è fissa ed è il valore nativo del sensore, la stragrande maggioranza è 100, il diaframma determina la profondità di campo della nostra fotografia, si procede di conseguenza alla messa a fuoco nel punto desiderato, usando il livewiev, in manual focus, in generale nella fotografia di paesaggio si cerca di avere la scena il più possibile a fuoco, per ottenere questo risultato si utilizzano valori di F (diaframma) abbastanza chiusi direi che la massa delle fotografie vengono scattate con diaframmi di F8, F11, in alcuni casi anche F16, chiudere di più il diaframma ci fa incorrere in effetti negativi nella qualità fotografica dovuti alla diffrazione, impostato questo valore, possiamo a questo punto stabilire il tempo di scatto, le tecniche sono due la prima più classica per mezzo dell’esposimetro di cui tutte le macchine fotografiche sono dotate, premendo il pulsante di scatto a metà effettuerà la lettura, se l’indicatore sarà a sinistra sarà sotto esposta e dovremo aumentare il tempo di apertura dell’otturatore, viceversa se sarà a destra dovremo diminuire il tempo di apertura dell’otturatore, dobbiamo portare l’indicatore dell’esposimetro al centro. Questo sistema tiene conto dell’impostazione che abbiamo scelto in macchina della lettura della scena dell’esposimetro, non avremo una protezione di sovra esposizione sotto esposizione delle zone più chiare e più scure nel 70% dei casi, dipenderà molto dalla nostra esperienza. Il secondo metodo è molto più affidabile è tramite l’istogramma, le macchine fotografiche dotate di schermo possono visualizzare oltre la scena e l’esposimetro anche questo indicatore.
L’istogramma ci permette di verificare quando una scena è correttamente esposta in modo semplice e intuitivo, avremo disegnato le aree di luminosità di una fotografia da sinistra a destra, dalle più scure alle più chiare, se la raffigurazione tocca il alto sinistro l’immagine sarà sottoesposta, viceversa se tocca il lato destro sarà sovraesposta, regoleremo il tempo di scatto per avere una rappresentazione come la figura al centro che vedi sopra. A questo punto facciamo uno scatto di prova, questa sarà la fotografia diciamo standard.
A questo punto possiamo introdurre dei Filtri se desideriamo:
Il primo è il Polarizzatore CPL, questo permette di eliminare i riflessi sia dall’acqua che dalle zone riflettenti vetri ecc, ci permette di vedere il fondo del mare (se pulito), rende le il fogliame più bello togliendo i riflessi, dona alla fotografia migliore qualità. Ruotando il filtro possiamo scegliere dove farlo lavorare.
Il secondo è il GND (graduated neutral density) questo permette di equilibrare il livello di luminosità nella fotografia, in particolare diminuisce l’intensità della luce nella zona del cielo, asseconda della gradazione e del disegno della transizione aiuta a gestire le parti più luminose.
Questi due filtri possono essere montati prima dello scatto standard in modo tale da gestire la luce, l’istogramma mostrerà il livello di luminosità della varie aree, per mezzo del tempo possiamo potare l’istogramma all’esposizione corretta ed effettuare lo scatto, nel paragrafo filtri troverete una spiegazione dei tipi e del sistema per utilizzarli asseconda della varie situazioni.
Il terzo Filtro è quello chiamato ND (Neutral Density) questo filtro ha una caratteristica particolare, permette con una scena data di aumentare come desideriamo il tempo di scatto, la sua gradazione parte da 2 stop (ND4) fiano ad arrivare anche a 20 stop (ND1000K), l’utilizzo di questi filtri permette di ottenere vari effetti sulla nostra fotografia in particolare per tutto ciò che si muove, dal cielo al mare, alle piante. Come si utilizzano, una volta eseguito lo scatto standard con o senza altri filtri (Polarizzatore o GND), il valore del tempo che abbiamo ottenuto correggendo con risultato un istogramma equilibrato, possiamo per mezzo del valore di stop aumentare il tempo di scatto, per esempio se il tempo ottenuto per eseguire lo scatto standard era di 1 secondo con un filtro ND8 da 3 stop avremo 1sec+(1-stp)=2sec+(2-stp)=4sec+(3stp)=risultato8sec, comprenderete bene quale potenzialità hanno i filtri ND.
Ricapitoliamo lo scatto senza filtri ci restituisce grazie all’aver centrato l’istogramma una foto equilibrata, lo stesso accade quando mettiamo il polarizzatore e il GND, questi ci permettono di eliminare i riflessi, diminuire la differenza di luminosità della parti chiare e quelle scure. Una volta eseguito lo scatto di prova e visto il tempo se inseriamo un Filtro ND possiamo allungare il tempo a nostro piacimento, scegliendo il filtro ND con il valore di stop che desideriamo. A questo punto per mezzo telecomando scattiamo la foto con il tempo che abbiamo ottenuto.
Verifiche post scatto
Finalmente abbiamo il nostro file nella scheda della macchina fotografica, prima di provare un nuovo scatto vi suggerisco di perdere almeno un paio di minuti per verificare quello appena fatto, sicuramente possiamo attivare la visualizzazione dell’istogramma per il file appena acquisito, questo ci permette di capire se quello che abbiamo fatto e il tempo impostato sono corretti, possiamo verificare l’effetto nel caso li abbiamo istallati dei filtri sulla nostra fotografia, possiamo valutare se modificare prima di tutto la composizione, eventuali modifiche sulla parte polarizzata, lo stesso per la linea di transizione del filtro GND e diminuire o aumentare gli stop del filtro ND.
Siamo arrivati alla fine di questa breve guida, come tutti i miei scritti sono molto concreti, senza fronzoli. A seguire troverete una piccola guida su attrezzatura, filtri e postproduzione..
Attrezzatura
L’attrezzatura per la fotografia di paesaggio è come per tutte i generi fotografici concentrata su poche cose veramente importanti farò perciò un elenco con delle note che possono essere di comprensione.
Treppiede
Macchina fotografica
Obbiettivo
Telecomando
Livella
Filtri
Treppiede
Tra le cose più importanti c’è il treppiede per certi versi è quello che fa la differenza molto spesso nella fotografia di paesaggio, il treppiede deve avere una caratteristica fondamentale, la stabilità, questa cosa va di pari passo con il peso più è pesante più è stabile, questa cosa è però ha un effetto negativo relativamente al trasporto. Come comportarci allora?
Per quanto mi riguarda io ne ho due, uno da viaggio, e uno con dimensioni e penso più consistenti, quello da viaggio lo utilizzo in tutti quei casi dove le condizioni di scatto sono abbastanza tranquille, per esempio la fotografia urbana, mi posso spostare facilmente anche per lunghe distanze, è abbastanza piccolo che non desta interesse. Il secondo invece è più pesante praticamente più del doppio, idoneo per posizionarmi in punti dove ci sono condizioni atmosferiche e ambientali che potrebbero influire sul risultato della fotografia.
Caratteristiche, il 90% dei treppiede vengono venduti con una colonna centrale e una testa, il mio suggerimento è evitare l’uso della colonna centrale, questa riduce notevolmente la stabilità sulla nostra macchina fotografica, eviterei anche di prendere la testa se non di particolare qualità, normalmente non sono cosi, cosa scegliere il carbonio o l’alluminio, ritorniamo al problema della stabilità i treppiedi stabili sono pesanti, perciò a parità di peso sicuramente il carbonio ha delle caratteristiche migliori, il problema che prendere un treppiede da 2KG in alluminio ha un costo, lo stesso in carbonio direi il doppio. Hai tempi quando comprai il mio treppiede il carbonio non era così diffuso perciò presi un treppiede in alluminio da 2,4kg era dotato di colonna centrale ma non di testa che presi a parte, a distanza di tempo presi una colonna centrale corta proprio per non avere problemi di vibrazioni, se dovessi prenderne uno adesso lo prenderei senza colonna centrale in carbonio al quale aggiungerei una testa a sfera con sistema di ancoraggio alla camera ARCA-SWISS.
Macchina fotografica
Il mondo…. Per quanto mi riguarda tutte le macchine fotografiche sono adatte a questa genere fotografico, qui veramente la differenza la fa il fotografo.
Obbiettivo
La fotografia di paesaggio viene al 99% dei casi abbinata alla lente grandangolare, ci sono situazioni in cui anche i teleobbiettivi vengono usati, partirei con un grandangolare direi da 16 mm in su, le lenti zoom la fanno da padrone perciò un 15-35 copre il 99% delle situazioni. Quando servono i luminosi? I luminosi servono quando non si scatta su treppiede, in zone con poca luce, un esempio da dentro una grotta dietro a una cascata, oppure nella fotografia notturna al cielo, perciò un F4 anche in questo caso copre il 99% delle situazioni.
Telecomando
Il telecomando è uno strumento indispensabile, per le lunghe esposizioni, per non avere vibrazioni sul treppiede.
Livella
Questa ci permette di mettere in bolla la nostra macchina fotografica, nelle macchine moderne è rappresentata sullo schermo.
Filtri
C’è un capitolo dedicato 😉
Tutto quello che non è fotografico: può essere una pezza per la pulizia delle lenti, come una pompetta, sicuramente una busta trasparente per coprire la macchina fotografica da eventuali agenti atmosferici, elastici per fermarla. Copertura impermeabile per lo zaino, lo stesso per noi, aggiungerei anti vento, borraccia con acqua….io mi porto anche qualche cioccolatino al caffè.
I Filtri
Prima di tutto serve un supporto (Holder), questo permette di montare davanti all’obbiettivo più filtri in combinazione, ogni filtro ha una sua utilità, e va montato in una posizione specifica sul supporto.
Da primo, cioè il più vicino alla lente è il Filtro polarizzatore.
Il filtro polarizzatore permette di togliere i riflessi, in particolare permette di vedere cosa c’è sotto l’acqua quando scattiamo al mare (si polarizza il primo piano), ma non si ferma a questo toglie anche tutti i riflessi dai ogni superfice, un esempio è una persona che indossa degli occhiali, questo permette di rimuovere il riflesso e far vedere gli occhi, naturalmente con lenti trasparenti. Nel paesaggio toglie i riflessi anche dalle foglie degli alberi. Una nota i Filtri polarizzatori possono introdurre una dominante bluastra, dipende dalla qualità del filtro.
Il secondo è il Filtro ND (Neutral Density) questo permette di allungare il tempo di scatto secondo le nostre necessità, quando si parla di Stop è relativo al tempo che possiamo ottenere con l’aggiunta di questo filtro.
Filtro ND (Neutral Density)
ND64 – 6 Stop, Prima tramonto – Dopo alba (primo filtro ND da avere)
ND8 – 3 Stop, Dopo il tramonto o Prima dell’alba
ND256 – 8 Stop, Giorno o cielo coperto
ND1000 10 Stop, Giorno o cielo coperto
Il Filtro GND (graduated neutral density)
I Filtri GND si dividono in quattro tipi:
Hard
Soft
Medium
Reverse
Ogni tipo di ha una sua peculiarità e un campo di uso specifico cerchiamo di non perderci e di sintetizzare quello che è importante sapere.
Il filtro GND Hard permette di avere una transizione molto rapida cioè passa dal trasparente allo scuro repentinamente questo ci permette di usarlo su una linea di luce pulita, la classica linea dell’orizzonte al mare al tramonto.
Il filtro GND Soft ha una transizione molto morbida tra la parte trasparente e quella scura, ci permette di utilizzarlo quando la linea di luce no né pulita e ci sono elementi ce interessano la linea di luce.
Il filtro GND Medium è come dice la parola una via di mezzo tra hard e soft, ideale da usare quando ci sono elementi sulla linea di luce in particolare quando non c’è illuminazione diretta. Il Filtro GND reverse è un filtro che ha una parte bianca che sfuma verso la parte più scura come un hard ma che poi torna ad essere trasparente con una sfumatura soft, l’utilizzo è per lo più con il grandangolo spinto da massimo zoom 15mm, quando si ha una linea della luce libera, questo determina che nella zona alta il ritorno di una illuminazione più equilibrata.
Come primo filtro per iniziare il GND Medium da 3 Stop
Come seconda scelta per la montagna un soft 3 Stop, o per il mare un hard 3 Stop
Post produzione
La post produzione sui file che ritraggono scene di paesaggio puo essere tranquillamente eseguita utilizzando Lightroom/Camera Raw, orientativamente questi software ci permettono di fare il 90% delle correzioni necessarie, è chiaro che chi ha conoscenze di Photoshop, preferisce integrare con quelle tecniche specifiche che aiutano dove questo software è piu adatto.
Facciamolo insieme su un singolo scatto di fotografia di paesaggio urbano
Questo è il file aperto in un classico visualizzatore FastStone
La fotografia raffigura un bel tramonto a Roma da ponte Sant’Angelo
Io utilizzo ACR per lo sviluppo, vediamo come procedo:
In ACR ho un predefinito all’apertura con tutti i parametri a zero, e come profilo il Fotocamera Standard.
ACR
Il primo intervento è la correzione sulle correzioni relative all’ottica.
Attivando la correzione profilo della lente e la rimozione aberrazione cromatica.
Il secondo intervento è nella finestra dettagli:
In questa finestra si agisce sul rumore cromatico, attenzione è vero si scatta a 100ISO, ma nelle aree come quella zoomata in foto c’è sempre in agguato la possibilità di rumore cromatico, controllare e rimuoverlo è sempre meglio.
Adesso guardiamo il nostro Istogramma:
Istogramma
Cliccando con il tasto destro dello stesso si possono attivare l’avvertenza ritaglio luci e ombre, così avremo la visualizzazione delle aree bruciate delle luci o chiuse delle ombre, nel nostro caso già dall’istogramma vediamo che forse qualcosa sulle luci è bruciato, ma vediamolo:
Delle piccolissime aree del cielo mostrano l’avvertenza. Interveniamo in modo da ottenere una fotografia più neutra, cioè sulla quale possiamo poi lavorare in Photoshop.
Non ci sono più aree bruciate.
Per impostazione sia ACR che Lightroom prevedono interventi dall’alto verso il basso, non ho toccato il bilanciamento del bianco, ma sono intervenuto su contrasto, luci, ombre, bianchi e neri. Andiamo in Photoshop, qui per prima cosa eseguiamo se necessario un ritaglio compositivo, applichiamo subito la Nitidezza, usando Nitidezza avanzata: Filtro>Nitidezza>Nitidezza Avanzata:
Solo per comprensione degli slide, Fattore determina la quantità, Raggio più è piccolo più si accentuano i dettagli piccoli, più è grande più i dettagli grandi.
A Questo punto seguiamo un intervento sul colore, il modo migliore è lavorare con il metodo LAB (Modifica > converti profilo) come sotto:
Scegliamo una regolazione curve
A questo punto dobbiamo intervenire sui canali A e B
Per ottenere un effetto coerente con la quantità di saturazione l’aumento dovrà essere equivalente su entrambe i canali, vediamo come:
La logica di questo intervento è: più la linea sarà ripida più l’aumento di saturazione sarà intenso.
Il risultato di questa regolazione lo vediamo qui:
PrimaDopo
A questo punto interveniamo sul contrasto della fotografia, un metodo abbastanza interessante è la maschera di contrasto (Filtro > Nitidezza > Maschera di contrasto)
Con un raggio di 200 PX si interviene poi sul fattore già 20% è un risultato molto apprezzabile.
PrimaDopo
La post produzione si può dire ultimata, come ultimo passaggio si procede con il portare il file alla risoluzione desiderata in funzione dell’uso che si fa del file, stampa, pubblicazione web, ecc
Questa interpretazione della fotografia come avete visto non stravolge il contenuto del file, è un interpretazione, ci sono moltissime tecniche per inserire creatività e dare a una fotografia, tante diverse interpretazioni, ognuno segue la sua creatività.
La procedura di Crop, può essere considerata tra quelle più semplici nella esecuzione. A volte non prendiamo in considerazione una fotografia perché pensiamo non sia correttamente eseguita per via di una composizione sbagliata o dovuta a una distanza eccessiva del soggetto che non ci permette di apprezzare i dettagli. Questo piccolo contributo è per recuperare uno scatto che per posa del soggetto, luce o momento colto lo riteniamo interessante.
Partirei dal caso più classico la distanza, nella fotografia naturalistica si dice molto spesso, i millimetri non bastano mai, è per questo molti usano lenti che possono essere considerate telescopi cioè 600mm duplicate con 2x cioè 1200mm su APSC. Come possiamo ottenere foto migliori se la distanza non ci permette di avere il soggetto nella giusta composizione.
Un esempio sono state le Pittime reali fotografate di recente nel Parco Nazionale del Circeo.
Fotografia aperta in camera Raw con valori tutti a 0.
Dopo aver effettuato lo sviluppo del caso la apriamo in Photoshop e la prima cosa da fare è gestire la composizione tramite ritaglio e come in questo caso dove la distanza di scatto rende il soggetto troppo piccolo dobbiamo cercare di mantenere il giusto dettaglio per far si che la fotografia sia apprezzata.
Prima cosa da fare è usare la funzione che Photoshop mette a disposizione nella gestione della dimensione delle immagini, dal Menu Immagine scegliere Dimensione immagine:
Questa è la finestra che si apre
Come potete vedere già ho inserito dei valori diversi da quello che normalmente ha di default Photoshop, in questo caso ho scelto i valori in percentuale, il valore sarà al 100% ed è proprio qui che andremo ad agire portando come valore massimo per il quale Photoshop svolge un buon lavoro a 120% in questo modo Photoshop aumenterà la risoluzione della fotografia per mezzo di una ricampionatura, ecco perché dobbiamo scegliere dal menu a tendina Mantieni dettagli 2.0 mettendo la spunta, a questo punto possiamo dare OK. Qual’è l’effetto di quello che abbiamo fatto, siamo passati da una fotografia che aveva una risoluzione da 6720x4480px a una risoluzione 8064x5376px, questo sistema è applicabile alle fotografie con una buona risoluzione andrei sopra a 3500px, la qualità fotografica accoppiata alla potenza di Photoshop ci permette di mantenere i dettagli in modo corretto. A questo punto procediamo al ritaglio compositivo e alla correzione dell’orizzonte.
Facciamo Invio sulla tastiera
Questo è il file pronto per essere elaborato, abbiamo mantenuto una risoluzione di più di 6000px e questo ci permette di avere un risultato finale molto buono, considerando che il file info riporta come distanza <aux:ApproximateFocusDistance>267/10< che equivale a 26,7 metri, per un soggetto da 40cm di qui 10 di becco.
Risultato finale
La fotografia al 100%, aggiungo che la qualità fotografica è anche dovuta anche all’utilizzo della seguente attrezzatura:
Canon Eos 5D mark IV + Canon EF 500mm f/4 L IS II USM + Canon EF 2.0x III per un totale di 1000mm
Il Crop Compositivo
Abbiamo parlato di Crop per fotografie riprese a con distanze che non permettono di apprezzare i dettagli, ma quando invece il soggetto e veramente ravvicinato da non avere aria intorno da rendere la fotografia non corretta dal punto compositivo, ecco una foto di esempio:
In questo caso la parte bassa della fotografica è talmente vicina al bordo da non poter essere considerata una composizione corretta. La distanza del soggetto dal file info <aux:ApproximateFocusDistance>473/100, 4,73 metri
Passiamo al lavoro da eseguire in Photoshop, dopo aver aperto la foto selezioniamo la taglierina, e a questo punto prendendo il bordo in basso e trascinando verso il basso avremo un condizione cosi.
Nella barra di impostazione della funzione dobbiamo mettere la sputa in base al contenuto questo farà elaborare Photoshop in modo sa riempire la parte nera che vediamo nella fotografia, Attenzione Photoshop non sa cosa è rappresentato nella fotografia perciò sarà bravo nella parte degli sfocati meno bravo nella parte dei dettagli. Vediamo cosa accade quando premiamo invio.
La parte sinistra verticale è venuta bene la parte destra meno bene ma la possiamo sistemare in poco tempo, la parte bassa sarà da aggiustare per mezzo del timbro clone e lo strumento toppa.
Ricostruzione del riflesso della zampe
100% il dettaglio della zampe
La ricostruzione è un lavoro paziente ma il risultato permette di recuperare una fotografia restituendole la qualità che merita. Per lo sfondo dove ci sono transazioni non sfumate lo strumento toppa permette di restituire omogeneità.
Il risultato finale….
Aggiungo una ulteriore nota adesso Photoshop Beta ha la funzione Riempimento generativo che per queste situazioni è un sistema eccezionale per recuperare le fotografie tagliate, farò un Articolo specifico, intanto potete vedere di cosa si tratta qui.
Partendo da un classico di fotografia dove il posatoio ha in vista le mangiatoie.
Prima di tutto lavoriamo su un livello copia CTRL+J
E portiamo l’immagine al 100%
Isoliamo gli elementi da togliere partiamo con il timbro clone
L’elemento isolato va adesso selezionato con lo strumento Toppa
Riportate la fotografia alla vista adatta allo schermo.
E prendendo la selezione trascinarla in un area di sfondo pulito spostandosi in modo che l’anteprima mostri che l’area clonata sia omogena allo sfondo.
Fare CTRL+D per deselezionare
Procediamo alla rimozione della parte di tronco.
Isoliamolo dal posatoio
Ingrandiamo ancora la risoluzione per avere una visualizzazione ottimale per eseguire la selezione con lo Strumento Toppa
Portare l’immagine adattata alla vista sullo schermo
Trascinare la selezione in un’area compatibile con quella da clonare
Procediamo con la ricostruzione del posatoio nella parte bassa tramite lo Strumento Timbro Clone.
Portare l’immagine al 100%
Risultato
Unisci livelli CTRL+E
Con lo Strumento Taglierina effettuiamo il ritaglio compositivo.
Scegliere l’impostazione Rapporto
Risultato
Un altro sistema che ci aiuta può essere la nuova funzione di Riempimento generativo di Photoshop, potete trovare un esempio qui.
Il primo punto da prendere in considerazione è l’attrezzatura, la fotografia Macro richiede obbiettivi specifici perciò bisogna mettere in conto di doverne scegliere uno, come scegliere l’obbiettivo, molti pensano di fare Macro e poi avere una lente da poter utilizzare per altre cose, io non la penso così, scelgo la lente per fare una cosa e la uso per fare quella cosa, poi se per un motivo qualsiasi la posso utilizzare per fare un altro genere fotografico magari provo, non deve essere uno dei motivi che me la fa scegliere. Quando decisi di prendere la lente Macro ho decisi la focale in funzione della sicura efficienza della lente, ci sono molte focali dalle più corte alle più lunghe, guardando le fotografie di altri fotografi capii subito che la mia scelta doveva ricadere su un obbiettivo 180mm, i motivi sono principalmente due, il primo un angolo di ripresa molto stretto, mi permetteva di stare a una distanza maggiore, sapere che la lunghezza focale era quella cosa che se avrei preso una lente più corta mi sarebbe mancata. Per questo scelsi una lente che mi dava sicura presenza di qualità, in funzione delle fotografie viste e di quanto veniva riportato da chi già la usava.
Iniziai la ricerca on line, ai tempi era in uso Ebay specialmente per le ricerche nei paesi europei e la Germania e la Inghilterra avevano molti venditori di lenti affidabili, dopo qualche mese nell’agosto del 2014 capitò l’occasione che cercavo e presi un: Sigma 180mm f/3.5 EX HSM Macro lente del 2001 che era stata sostituita con una nuova praticamente simile e che l’ho potuta comprare a 400euro prezzo buono visto che era praticamente nuova, quando è arrivata a casa aveva ancora le protezioni in plastica sulle scritte.
All’inizio partii con un uso non del tutto corretto, perché avevo sì un treppiede ma non ero organizzato con nessuna delle cose che sarebbero state necessarie per fotografare nella maniera corretta, perciò iniziai prima di tutto cercando un luogo vicino casa dove potessero essere presenti dei soggetti, poi iniziai come era giusto a andarci al mattino presto poco prima dell’alba, o la sera al tramonto scattavo a mano libera, cercando di avvicinarmi ai soggetti che vedevo fermi su qualche filo d’erba, ai tempi avevo una Canon 5d Mark II questo qui sotto è uno dei miei primi scatti in macro, quello che vedete è il Raw aperto in ACR con le impostazioni date a quei tempi.
Il Dopo l’elaborazione
La premessa ci voleva ma adesso parliamo della tecnica di ripresa corretta, non che il mano libera non sia corretta, ma per una fotografia macro che si rispetti è necessario procedere in un modo che sia funzionale al risultato, come sempre non farò tanti giri di parole ed andrò al sodo in breve.
Cosa ci serve per fare una fotografia Macro il minimo e avere un cavalletto stabile perciò pensate, la giusta testa, un comando remoto, almeno un plamp, ci sono degli accessori che ci facilitano il lavoro tipo una slitta micrometrica che consiglio di comprare se questo genere fotografico ci interessa davvero, il resto potremo sempre utilizzarlo, la slitta micrometrica con molta difficoltà trova utilizzo in altri generi, forse nello stillife di oggetti piccoli. Il mio treppiede è il vecchio Manfrotto 055xprob al quale ho montato una testa a tre vie Manfrotto 410, come comando remoto il compatibile con Canon CR-6 ne presi un paio sempre su Ebay a 5 euro, il mio primo plamp l’ho costruito con la parte di una lampada di quelle da tavolo che sono metalliche ed elastiche. Nel tempo provai una slitta cinese, ma non ve lo consiglio oggi si trovano ottime slitte a poco prezzo presi alla fine IShoot MFR 150 che per un utilizzo amatoriale è più che buona.
Organizzare una uscita fotografica a Macro non è difficilissimo, primo must è andare al mattino presto prima dell’alba già dobbiamo essere sul posto e dobbiamo individuare i soggetti, alcuni le cercano la sera e lasciano dei biglietti sui fili d’erba per ritrovali al mattino, non sempre funziona ma spesso mi è capitato di ritrovare il soggetto che avevo visto dopo il tramonto perciò può essere una buona tecnica. Un altro consiglio andare vicino ai corsi d’acqua, probabilmente incontrerete anche delle libellule.
L’effetto della rugiada è spettacolare in questo fotografia.
Le impostazioni e come provvedere in questo tipo di fotografia, prima di tutto sappiamo che per ottenere una buona profondità di campo per quando può considerarsi buona una profondità che supera di poco il millimetro è necessario chiudere molto il diaframma, cosa intendo usare diaframmi che sono superiori a F9, ma non sopra F16, il diaframma sarà il nostro parametro di riferimento, per l’ISO usando il treppiede metteremo 100, a questo punto il tempo sarà il nostro parametro variabile in funzione della presenza di luce al momento dello scatto.
Come procedere allo scatto, una volta individuato il soggetto dobbiamo considerare quale sarà il piano di messa a fuoco, proprio considerando la scarsa profondità di campo, ci dobbiamo posizionare per avere il massimo di parallelismo del sensore con il piano di messa a fuoco sul soggetto così da avere tutto il soggetto su quel piano a fuoco, immagina le ali di una farfalla mettere il sensore della macchina fotografica parallelo alle sua ali è il modo corretto per avere le ali a fuoco. Compresa questa prima regola base e avendo individuato il soggetto, posizioniamo il nostro treppiede in modo da avere la possibilità di regolare tramite la testa la nostra fotocamera così da avere una buona composizione.
La messa a fuoco come gestirla, questo è un moneto veramente cruciale, per effettuare una messa a fuoco corretta è prima di tutto necessario attivare il livewiev le impostazione della macchina devono stare in M, stabilizzatore su OFF, sistema Autofocus disattivato, cioè metteremo a fuoco con la ghiera dell’obbiettivo, imposteremo l’ISO a 100, metteremo il diaframma scelto (F11) e regoleremo il tempo così da avere l’esposimetro della macchina fotografica centrato nel l’livewiev avremo un’anteprima dell’esposizione della fotografia, e potremo regolarci di conseguenza, i nuovi sistemi mirrorless ci permettono di avere visualizzato l’istogramma che ci sarà di grandissimo aiuto. Una volta settato il tutto per mezzo del pulsante di ingrandimento porteremo il livewiev a mostrare l’ingrandimento massimo disponibile, posizioneremo la porzione mostrata del fotogramma nell’area di massimo interesse e dove vogliamo cada il piano di fuoco della nostra fotografia, per mezzo della ghiera di fuoco mettiamo a fuoco, nel caso siamo con la slitta micrometrica si può operare con entrambe i sistemi, prima con la ghiera poi con la regolazione della slitta che ci permette movimenti più fini, ottenuto il fuoco per mezzo del telecomando si scatta.
Abbiamo adesso il nostro prima scatto, come avete sicuramente notato non ho parlato di un accessorio che avevo elencato tra quelli necessari, il plamp.
Ho lasciato questo per parlare anche di un altro argomento importantissimo legato alla fotografia Macro, sono strettamente legati, la fotografia Macro ha un problema specialmente quella scattata in natura, il mosso dovuto al vento in aiuto ci viene proprio il plamp, oggetto estremamente utile e indispensabile, questo accessorio viene usato per sostenere e fermare il posatoio del soggetto una fotografia fa capire meglio il tutto.
Come vedete in questa foto ancora non usavo la testa a tre vie che presi dopo
Sviluppo ee Elaborazione dei file raw Macro
Siamo tornati a casa, abbiamo i nostri bellissimi files Raw nella scheda, li spostiamo nel nostro hard disk dove abbiamo il nostro archivio fotografico, è arrivato il momento di scegliere quale file elaboreremo come visualizzatore di raw io utilizzo FastStonevisualizzatore gratuito che può essere configurato per aprire i file direttamente in Photoshop, ha anche un sistema per selezionare e mettere poi in evidenza le fotografie che desideriamo postprodurre.
Dopo aver deciso quali vogliamo posto produrre iniziamo la seconda fase che ci porterà a un immagine editata.
Vediamo quali sono le tipiche azioni da eseguire e quali controlli vanno comunque fatti su ogni fotografia.
Sviluppo, perciò in Adobe Camera Raw, scelta del profilo, bilanciamento del bianco/dominanti, sviluppo nel pannello base esposizione, luci, ombre, correzione distorsione lente, controllo rumore cromatico, anche se scattiamo a iso 100.
Apertura in Photoshop controllo e rimozione difetti, macchie sul sensore, oggetti non desiderati.
Crop compositivo, se necessario.
Eventuale diminuzione della risoluzione di visualizzazione dell’immagine finale
Verifica e valutazione della necessità di aumentare la nitidezza
Gestione del colore/contrasto
Controllo delle dominanti ed eventuale neutralizzazione
Controllo della nitidezza
Salvataggio .TIF (16bit profilo Adobe 1998) e .JPG (8bit profilosRGB)
Nel flusso non ho inserito il controllo del rumore in quanto considero le fotografie fatte a ISO 100, ma se in fase di ripresa a mano libera, in particolare, se per mantenere tempi rapidi abbiamo avuto necessita di alzare l’ISO sarà necessario rimuovere il rumore oltre che cromatico anche di luminanza.
Scelgo un file sul quale lavorerò, sono legato a questa foto perché è una dei miei primi scatti.
La prima cosa assegnare il profilo per la 5D Mark II Adobe mette a disposizione dei profili specifici, io scelgo il Fotocamera Neutro
Procedo con il pannello base, in questo modo.
Il risultato è una fotografia molto neutra
Il controllo dell’istogramma deve sempre guidarci, sta lì e ci aiuta.
Prima Dopo
Adesso la foto grafia è chiaramente più luminosa, avremo sicuramente un risultato migliore partendo da questa situazione, come avevo detto questa foto è scattata a mano libera per avere dei tempi gestibili ha ISO 800 perciò il rumore è abbastanza presente vediamo:
Nel campo dettagli interveniamo sulla riduzione del rumore cromatico (Riduzione disturbo colore)
Sposto la slide guardando quando i puntini colorati verdi e magenta spariscono, a quel punto mi fermo.
Siamo a 14.
Procedo con la correzione Profilo obbiettivo
Questo interviene sulla fotografia sulle distorsioni, è evidente nel momento che mettiamo la spunta, ma anche nelle dominati e aberrazioni della lente.
Sempre in questa campo c’è la rimozione dell’aberrazione, questa interviene per le condizioni nelle quali è stata scattata la foto, in questa foto grafia è evidente.
L’aberrazione crea delle linee colorare sui bordi di colore verde o magenta, metto la spunta e vengono rimosse.
Sono particolari che faranno la differenze nella gestione del colore.
Procediamo in Photoshop
Il primo controllo e relativo alle macchie in particolare sullo sfondo, più il diaframma è chiuso più saranno visibili, questo controllo si fa mettendo la foto al 100%
Qui sotto un esempio, che rimuoveremo con il timbro clone agendo su un livello copia (CTRL+j)
Campionando in una zona adiacente e clonando sulla macchia questa sparirà, questo andrà fatto su tutte le macchie presenti nella fotografia. poi (CTRL+e)
In questa fotografia non è necessario un Crop compositivo.
Adesso interveniamo sul rumore visto che la fotografia è scattata a ISO 800 è intervenire sul rumore per questo ci affidiamo a:
Procediamo creando una copia del livello di sfondo (CTRL+j) e poi faremo apriamo il plug-in, mi posiziono dove c’è il uno di messa a fuoco per controllare l’effetto sui dettagli della farfalla, il plug-in si apre con valori standard:
Selezionando Auto il plug-in propone dei valori che sono previsti per dare una foto finita, noi lavoreremo riducendo lo Enhache sharpness e nel caso aumenteremo il valore di Remove noise nel caso ci sia bisogno, vediamo:
Il valore in automatico, quelli scelti da me guardando la fotografia sia nella zona dei dettagli che nella zona di transizione con lo sfondo. Zona dei dettagli
Zona di transizione con lo sfondo
Procedo dando Apply
Controllo il lavoro fatto dal plug-in in particolare nelle aree scure dello sfondo, qui il rumore sarà più presente e va tolto, magari con un secondo intervento.
(CTRL+e)
In questa fotografia desidero provare ad ottenere la massima risoluzione perciò non opero diminuzioni di risoluzione e vado al passo successivo.
La gestione della nitidezza (CTRL+J) per la gestione della nitidezza procedo utilizzando il plug-in Double USM 3, imposto dei valori tenendo in considerazione dei dettagli della fotografia. Ho fatto una prima prova con fattore contenuto ma ho visto che serve un po’ di forza in più, è una cosa normale a risoluzioni cosi grandi, perciò opero con questi valori
Il raggio non lo alzo più di tanto vista la presenza di tanti dettagli fini.
PrimaDopo
(CTRL+e)
Gestione del Colore/Contrasto, l’enfatizzazione dei colore la eseguo con il metodo colore LAB, converto perciò il profilo, e lavorando sui canali A e B rendo la curva più ripida vediamo come: Modifica > converti in profilo, si pare questa finestra
Imposto tutto e do OK
A questo punto creo una regolazione curve
E mi sposto sui canali prima A e poi B
Il risultato è estremamente equilibrato e corrisponde alla condizione di scatto.
PrimaDopo
Intervento sul contrasto sempre in LAB sul canale della luminosità, creo una altra regolazione curve
E applico lavoro sulla curva per renderla più verticale, si puo anche lavorare con una curva dipende molto dall’effetto che si vuole dare, attenzione che in questo caso i valori numerici dell’intera scala sono da 0 a 100 perciò bastano piccoli spostamenti per avere grandi effetti.
Per proteggere i bianchi intervengo con la funzione dei livelli Fondi se, raggiungibile dal menu, opzioni di fusione per raggiungere questa basta fare clik destro sul livello della regolazione e poi Opzioni di fusione, si apre questa finestra:
Dobbiamo lavorare in questo campo
Clikkare su triangolo tenendo premuto il pulsante ALT
Il triangolo si divide spostiamo la parte sinistra verso sinistra fino quando nella foto vedremo che i bianchi sono ritornati dettagliati
Prima
Dopo
La fotografia adesso e cosi
Prima dell’intervento sul contrasto
Magari qui non è molto apprezzabile, ma a monitor la cosa cambia notevolmente
Procediamo……
Il controllo delle dominanti, in questo tipo di fotografia l’attenzione va messa quando si scatta prima dell’alba, perché in quella condizione il Ciano/ Blu sono in aguato, come procedere campionare i bianchi con il campionatore della regolazione Saturazione/Tonalità e vedere cosa succede se la dominante esce aumentando la saturazione del blu con valori sopra a +50 possiamo non considerarla in questa foto di esempio il bordo bianco è senza dominate perciò non è presente una dominate sulla fotografia. lo stesso va fatto per il Ciano, Magenta, Verdi ……….
A questo punto torniamo in RGB
Modifica> converti in profilo
Spazio di destinazione Adobe RGB (1988) e dare OK
Avremo un unico livello
Controllo rimozione rumore con Topaz denoise
(CTRL+j)
Poi apriamo il plug-in Topaz deonise, clicchiamo su AUTO e togliamo tutta la nitidezza che il plugin vorrebbe dare riducendo lo Enhache sharpness a zero
Controllo lo sfondo che deve risultare esente da rumore nel caso aumento Remove noise, il controllo lo faccio nelle aree scure dello sfondo.
Il risultato è buono faccio Apply (CTRL+e)
Adesso è il momento del controllo della nitidezza del soggetto, lo faccio sempre utilizzando Double USM 3, questo intervento deve rendere la fotografia speciale perciò non vanno esagerati i valori ma vanno gestiti al meglio, per migliorare i dettagli fini in una fotografia si deve lavorare con un raggio molto contenuto la variazione di un decimo già fa una grande differenza, procediamo.
Dopo aver fatto delle prove sul dettaglio dell’area a fuoco….
Ho provato valori di raggio per le ombre da 0,3-0,4-0,5 per le luci 0,2-0,3-04, valore di Fattore da 300, 400,500 per le ombre e 150,200,300 per le luci alla fine ho trovato la migliore soluzione con queste impostazioni.
Qui sotto il risultato che ho ottenuto.
Questa è la condizione di partenzaQuesto il risultato
Penso sia buono perciò unisco i livelli (CTRL+e)
Procedo on il salvataggio del .Tiff facendo salva con nome scelgo il nome del file e la cartella dell’archivio dove salvare e do ok, poi converto a 8 bit e salvo come .JPG assegnando il profilo sRGB. E la foto è pronta
Siamo partiti da questo articolo quando è uscita la nuova funzione in Photoshop Beta, oggi vediamo un applicazione su una fotografia di avifauna. La foto di partenza è questa qui sotto sviluppata in ACR e aperta in Photoshop beta, i due gruccioni si allontanano dopo essersi accoppiati, la postura del soggetto superiore il maschio è interessante, voglio provare ad isolarla e trasformarla in una fotografia interessante. vediamo se ci riesco.
La prima cosa da fare è il ritaglio:
Da questa condizione dobbiamo togliere la parte di soggetto inferiore che non ci interessa, prima di tutto lo isoliamo dal soggetto principale per mezzo del timbro clone in questo modo.
Adesso possiamo creare una selezione con lo strumento lazo che comprende tutto il soggetto da rimuovere.
Procediamo con il primo intervento selezionando Riempimento generativo.
Nel campo che appare scrivo remove e clicco su Genera
Photoshop fa il suo lavoro.
Questo è il risultato
Adesso viene la parte più bella
Per facilitare Photoshop tolgo con il pennello Rimuovi oggetto le due punte che escono a sinistra.
Adesso vediamo come il Riempimento generativo risolve la parte di sovrapposizione, con lo strumento lazo creo una selezione che contenga anche le parti circostanti dell’area da sistemare.
Seleziono Riempimento generativo e il campo per le indicazioni sulla correzione lo lascio vuoto e clicco su Genera, la funzione alla fine mi propone sempre tre soluzioni.
123
Per quanto mi riguarda la numero 2 è la più realistica, e scelgo questa, Photoshop ci mette a disposizione la valutazione delle tre opzioni, cliccando sui tre puntini a voi sta decidere se supportare la funzione per migliorarla.
A questo punto ho la parte di ritaglio superiore da riempire e procedo selezionandolo e sempre con la funzione riempimento generativo ricreo la parte mancante.
Il risultato è eccezionale per il tempo che abbiamo impiegato per fare questo lavoro, possiamo finalizzare l’elaborazione per ottenere il risultato finale.
Questa è la fotografia il crop è notevole e la risoluzione finale è 4k qui l’HD.
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che attiva il campionatore 
questo ci permette di campionare il colore delle zone che vogliamo modificare.
la possibilità di selezionare i vari colori.
a 
perciò clicchiamo e creiamo un livello di regolazione Curve.
da questo menu possiamo selezionare il canale dove intervenire, per il nostro lavoro useremo i canali A e B che sono quelli che gestiscono la componete colore nel profilo LAB.
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